Иногда картина скрывает гораздо больше, чем можно увидеть с первого взгляда. Например, Ван Гог помог биологам изучить мутацию подсолнухов, а Микеланджело в «Отделении света от тьмы» задокументировал строение спинного мозга. Другие творцы искусно маскировали на полотнах самих себя или своих близких.

AdMe.ru рассекретил тайны живописцев прошлого, чтобы вы могли взглянуть на нетленные произведения искусства по-новому.

1. «Подсолнухи», Винсент Ван Гог

© Vincent Willem van Gogh / Wikimedia commons

Вы когда-нибудь обращали внимание на то, что на известном полотне Ван Гога у одних подсолнухов есть темная сердцевина, а у других нет? Это не авторское видение, а язычково-махровая мутация, которая иногда встречается у цветка. Подсолнухи бывают двух видов: привычные нам и мутанты, у которых практически нет сердцевины, а желтых лепестков больше, чем нужно.

Мутировавшие цветы плохо размножаются, поскольку опыление происходит в темной серединке растения, зато привлекают насекомых. Поэтому это отклонение возникает, если растение оказывается в новой местности, где мало насекомых-опылителей. Изучить мутацию и понять принцип ее появления биологам помог шедевр Ван Гога.

2. «Автобус», Фрида Кало

© Frida Kahlo / Wikiart

Картину считают иллюстрацией социального неравенства, ведь в автобусе сидят и небогатая мать с ребенком, и рабочий, и домохозяйка, и бизнесмен. Но это еще и отсылка к аварии, в которую Фрида попала в молодости. В 1925 году автобус, в котором ехала девушка, столкнулся с трамваем. Переломы тазовых костей, позвоночника, ребер и конечностей — она чудом осталась жива и впоследствии не могла иметь детей.

На холсте Кало изобразила автобус за несколько мгновений до злосчастного происшествия. «В моей жизни было 2 серьезные аварии: когда автобус врезался в трамвай и Диего». Так говорила Фрида о столкновении и о муже Диего Ривера, который заставлял ее испытывать страшную ревность.

3. «Отделение света от тьмы», Микеланджело Буонарроти

© Michelangelo / Wikipedia

Будучи студентом, Микеланджело изучал устройство человеческого тела, поэтому имел обширные познания в анатомии. Часть из них он продемонстрировал, расписывая Сикстинскую капеллу. В частности, на фреске «Отделение света от тьмы».

Исследователи из Университета Джона Хопкинса (Johns Hopkins University) предположили, что мастер искусно выписал органы нервной системы: горло и грудь бога в точности похожи на ствол головного мозга, а жгут ткани напоминает спинной мозг. Эту гипотезу подтверждает и тот факт, что шея бога не похожа на шеи остальных персонажей фресок авторства Буонарроти.

4. «Меланхолия», Альбрехт Дюрер

© Albrecht Dürer / Wikimedia commons

В знаменитой гравюре Дюрера множество скрытых смыслов, один из них зашифрован в квадрате с цифрами. Числа взяты не просто так: сумма в каждом столбце и строке равна 34. Это может быть символом как божественного начала персонажа гравюры, так и связи между меланхолией и гениальностью.

По другой версии, квадрат — это талисман. Иногда его называют Квадратом Юпитера. Известно, что остальные знаки гравюры связаны с планетой Сатурн, которая сулит несчастья. Сатурну противостоит Юпитер, выступающий как оберег. Сочетание цифр в нижней части фигуры — 1514 — указывает на год создания произведения.

5. «Меняла с женой», Квентин Массейс

© Quentin Massys / Wikimedia commons

Один из самых известных примеров использования зеркального отражения в произведениях искусства — автопортрет Яна ван Эйка на «Портрете четы Арнольфини». Но не менее интересны и другие случаи применения этого приема. Так, картина Квентина Массейса «Меняла с женой» открывает более глубинный смысл, если присмотреться к маленькому зеркальцу, стоящему на столе супругов. В его отражении можно различить опечаленное лицо заемщика.

6. «Натюрморт с шахматной доской», Любен Божен

© Lublin Baugin / Wikimedia commons

Это тоже не обычный натюрморт, а зашифрованное послание, над которым искусствоведы бьются несколько десятилетий. Самое распространенное объяснение гласит, что автор изобразил на полотне 5 органов чувств: слух олицетворяет лютня, зрение — зеркало, вкус — хлеб и вино, осязание — карты и кошелек, а цветы соответствуют обонянию.

По религиозной версии, на переднем плане мастер аллегорично показал соблазны. А предметы, связанные с чистотой (ваза с водой — знак непорочности), поместил на втором плане. Также существует мнение, что Божен просто изобразил актуальные потребности буржуа той эпохи. И есть еще одна загадка, которую пока не разгадали: какой смысл таят в себе восьмиугольные предметы — зеркало и бокал.

7. «Большая волна в Канагаве», Кацусика Хокусай

© Katsushika Hokusai / Artchive

Золотое сечение в своих работах использовали многие, но в этой гравюре Хокусай применил этот принцип дважды. Волна вписана в золотую спираль, а пик горы Фудзи расположен на пересечении линий сечения. Именно поэтому картина так притягивает внимание зрителя.

8. «Снятие с креста», Якопо Понтормо

© Jacopo Pontormo / Wikimedia commons

Есть мнение: кого бы ни рисовал художник, лица его персонажей всегда будут похожи на его собственное. Якопо Понтормо оправдывает это правило в полной мере. Итальянский маньерист часто писал героев своих полотен с себя самого, поэтому многим они кажутся однотипными. На картине «Снятие с креста» можно заметить не только то, что в основу образов персонажей положены черты мастера. Понтормо включил в произведение автопортрет в правом верхнем углу. Именно там располагали автопортреты его предшественники в эпоху флорентийского Ренессанса.

9. «Автопортрет с художником Бернардино Кампи», Софонисба Ангвиссола

© Sofonisba Anguissola / Wikimedia commons

На полотне Софонисба Ангвиссола запечатлела, как ее портрет пишет ее учитель Бернардино Кампи. Но примечательно не только то, что это одновременно портрет и автопортрет. У художницы 2 левые руки: изначально она изобразила себя с согнутой и поднятой рукой. Впоследствии она повернула ее вниз, чтобы избежать кривотолков.

С годами красный лак, которым Ангвиссола закрасила поднятую руку, стерся. Реставратор не придумал ничего лучше, чем затемнить некстати проступившую первую версию полотна черным. После реставрации 1996 года платье вновь стало красным, а рука двойной. Только в 2002 году вторую руку закрасили, оставив картину в том виде, в каком хотела сама Ангвиссола.

Как вы думаете, когда художники наделяли свои полотна скрытым смыслом, они надеялись на его разгадку или же выражали таким образом свои эмоции?

Фото на превью Frida Kahlo / Wikiart